"La beauté sera CONVULSIVE ou ne sera pas" ( André Breton )
Au premier jour, mes Yeux se prirent dans les remous de ses couleurs mais mon regard d'alors n'aurait pas su prendre la parole.
Je tente donc de dire aujourd'hui ce qui ne peut et ne veut être plus qu'une émotion esthétique traduite dans une langue qui lui est étrangère, traduite à la hâte, sans dictionnaire et en quelques mots.
Ses toiles proposent cette beauté convulsive dont parlait Breton : une beauté sans contours, sans pose figée, sans ornements et aussi mouvementée que vivante.
Car des toiles aux dessins il n'est jamais question d'autre chose que de la Vie, comme si Jean-Yves Guionet l'avait tenue pour unique modèle.
Voilà peut-être aussi pourquoi les corps de femmes alanguies ont laissé place à des silhouettes en transe et peu à-peu à une mouvance diffuse qui semble définir une métaphore de la vie.
Pourtant le peintre ne veut surtout pas définir car définir c'est à la fois saisir et enfermer il préfère laisser une empreinte indécise dans la matière. Jean-Yves Guionet s'intéresse aux instants où la vie est passage, traversée impromptue, trace laissée et manque poignant de ce qu'on a perdu.
Nathalie.VABRE

JEAN-YVES GUIONET
Parmi les maîtres en peinture que la vie m'a donnés, il y a les initiateurs - mon père (l'art en vrac) - les formateurs - Bernard Hanin (le dessin, la couleur), Jean Pierre Raynal (la gravure) - et il y a les libérateurs : Jean-Yves Guionet (la peinture) est de ceux-là.
Jean-Yves Guionet, peintre, intervient comme la foudre sur un arbre vert dans ma vie de peintre : embrasement !
En 1997, invitée par Annick Arnaud, une amie peintre qui l'a choisi comme prof, j'assiste à l'un de ses cours de nu du samedi matin, rue du Faubourg du Temple. Une réputation de soufre précède l'homme. J'ai l'impression d'assister à une messe noire, où se dénouent les plus intimes de nos interdits créateurs. À coups d'exercices contraignants, de lectures philosophiques, de musiques diverses, et par-dessus tout grâce à une personnalité de fauve et un caractère d'accoucheur, Guionet détruit en nous la censure qui guette chacun de nos gestes. En une séance, je subis un véritablement désenvoûtement, une purge, un exorcisme : mes savoirs acquis volèrent en éclats. Je compris que la rigueur à laquelle j'avais été astreint n'était qu'une étape dans mon chemin de peintre : il y avait, derrière les arbres bien rangés de ma raison, une jungle émotive à explorer. Je compris que mon habileté n'était rien qu'un piège si je ne risquais pas le tout pour le tout en peignant. Je compris que la destruction faisait partie, au même titre que la construction, de la genèse d'une œuvre. Ce que l'Inde m'avait appris philosophiquement, grâce à la figure de Shiva (Dieu destructeur et créateur), Guionet me l'inculquait pinceaux à la main.
Dès lors je ne ratais plus une occasion d'aller au nu du samedi matin, rue du Faubourg du Temple, où le sorcier officiait. Je me plaçais, délibérément, sous son autorité libertaire : j'y allais désapprendre, j'y allais régresser, j'y allais devenir - peut-être - peintre. Le dernier de mes maîtres en date fut sans doute aucun le plus perturbateur.
Guionet, peintre sensualiste, professe une philosophie de l'émotion, du geste et de la matière contre tous les dogmes mortifères de l'époque. C'est dans son atelier que j'ai réalisé mes nus les plus dionysiaques.
Quand j'ai cessé d'être son élève, nous sommes devenus amis. Et ce fut pour moi un renvoi d'ascenseur tout naturel que de lui dédier Nus, puissance deux, le livre de nus que je réalisai avec mon ami poète, Patrick Audevart, nus dont la plupart avaient été accomplis rue du Faubourg-du-Temple. À ma demande, il vint poser une première fois dans mon atelier : je réalisai un portrait fiévreux, graphique, qui manquait de rigueur à mes yeux. Lorsque j'allai le peindre dans son atelier banlieusard du Perreux, je m'étonnai de le voir, lui si bouillonnant et provocateur d'habitude, poser tranquillement, longuement, humble et silencieux. Il posa sur un pied de complète égalité, avec la générosité des vieux maîtres. Une autre séance encore : je repris de fond en comble le premier portrait, en le poussant aussi loin qu'il m'était possible. À ma demande, il me donna un objet-fétiche, la pochette de disque des concertos pour pianos de Beethoven, son musicien favori. Enfin, je retournai un jour au Perreux, ajoutant un paysage de banlieue à sa figure, cette bonne vieille banlieue qui est un de nos lieux communs.
Anne-Claire Thévenot, que j'avais rencontrée chez Jean-Yves Guionet, et qui devint membre des Carnettistes Tribulants, a brossé de lui un portrait libre et foisonnant dans notre livre : Vivre vieux ! (Éditions Alternatives)

Vous êtes à l'initiative de ce livre : qu'apporte-t-il selon vous ?
Nous sommes noyés sous les images... Cet ouvrage peut être utile à tous les amateurs d'art - acteurs ou spectateurs - qui s'interrogent sur ce qui fait vraiment art. Il propose une approche originale : une grille de lecture du « comment c'est fait »
plutôt que du « qu'est-ce que c'est » qui reste malheureusement celle de la majorité des experts, des décideurs culturels, des journalistes, des marchands et des jurys des salons d'art. Dans un souci pédagogique, notre volonté est de pouvoir expliquer, autrement que par l'image que tout le monde voit, ou par le goût qui est tout à fait personnel, en quoi consiste la créativité de Keith Haring, Basquiat, Buren, et si elle joue ou non sur le même registre que celle d'artistes comme Soutine, Van Gogh, Goya, Rebeyrolle ou Leroy...
L'ambition de ce livre est d'apporter quelques pistes à tous les amateurs d'art qui s'ennuient face à l'apparente diversité des œuvres proposées sur le marché contemporain, mais qui sont réalisées avec une répétition appliquée. Mais également, et surtout, des pistes pour pouvoir construire un monde artistique mieux équilibré : plus de sensible et moins de rationnel.

En quoi notre civilisation de l'image fait-elle du mal à la peinture ?
La peinture n'est pas une image comme les autres.
L'invasion de l'image (télévision, photo, internet) a nivelé toutes les formes d'art. Tout se vaut. Mais la peinture, de par sa matière, est plus qu'une image. Le paradoxe est que lorsqu'un peintre veut participer à une exposition, il doit montrer son travail
en envoyant des photos ou les coordonnées de son site internet. Ainsi la peinture est plus souvent jugée d'après une image que d'après le tableau « réel ». Peu d'experts en art suivent le travail des peintres dans leurs ateliers. Pourtant la créativité souhaitée pour l'avenir de la culture n'est pas dans les expositions spectaculaires d'artistes morts.
La peinture se distingue par les traces laissées par les actions d'un être humain dans la matière ; la voir sur un écran ou sur des photos ne peut avoir qu'un intérêt informatif. D'autre part, les expositions spectaculaires organisées afin d'attirer un grand nombre de publics et ayant pour principal intérêt une très grande rentabilité économique, ne sont pas de bonnes conditions pour apprendre
à regarder fa peinture, à différencier les valeurs créatives des auteurs et à apprendre à entrer dans l’œuvre d'un peintre. Sur la photo d'une toile, à la rigueur, on peut détecter le chemin pris par l'artiste (vision rétinienne ou cognitive), on peut apprécier le rythme d'une toile et la subtilité des signes, mais on ne peut pas voir la démarche parcourue par l'auteur tout au long de ses recherches et par conséquent ses réactions personnelles (intentions ou intuitions émotionnelles) ; tout ce qui peut nous donner envie de passer un long moment devant la toile même si l'image est simple.
Une bonne peinture doit nous attirer par empathie et nous fasciner afin de nous mettre nous-mêmes spectateurs en état de sublimation, d'imagination et de création. Devant une peinture nous ne devons pas rester à la surface. Si nous ne prenons pas le temps de regarder, nous satisfaisons un plaisir de lèche-vitrine. Le formatage des regards a entraîné une banalisation de l'art. Les experts, savants, décisionnaires, critiques d'art n'ont pas de connaissance empirique de la peinture. Le monde de l'art n'a pas encore intégré les connaissances scientifiques sur la créativité comme celles que nous apportent les neurosciences dans la différenciation entre l'imagination formelle et l'imagination matérielle. Seuls les peintres rétiniens peuvent dans la pratique exploiter ces connaissances et apporter au public une autre vision de la créativité.

Justement en termes de créativité, quelle est votre approche et en quoi est-elle originale ?
Au-delà de la lecture ordinaire de l'image, au-delà de la beauté apparente, il faut apprendre à regarder et faire la différence entre deux démarches de créativité. Celles-ci se distinguent entre : Une approche basée sur la « pensée » : sur la mémoire cognitive, dépendant du regard intelligent et soutien d'une imagination formelle, domaine de la raison.